Fünf Stände, jeweils zehn Quadratmeter groß, und keiner davon kostenpflichtig. Seit 2024 stellt „Discover a Talent“ diese Stände Künstler*innen auf der Discovery Art Fair Frankfurt (DAF) kostenlos zur Verfügung.
Das von Kurator Kai Brückner initiierte Programm ermöglicht es jeder ausstellenden Galerie, eine Künstlerin bzw. einen Künstler zu nominieren, die bzw. der noch nie auf der Messe vertreten war; fünf davon werden anschließend von einer Jury ausgewählt. In 2026 besteht die Jury aus Silke Hohmann von Monopol (Magazin für Kunst), dem Kunsthistoriker und Galeristen Jörk Rothamel, dem Kurator Dr. Gregor Jansen (ehemaliger Direktor der Kunsthalle Düsseldorf), sowie Raimund Stecker, dem Gründungsdirektor des Arp-Museums Bahnhof Rolandseck.
In diesem Jahr bedarf der Name des Programms einer Erklärung: Einige der fünf diesjährigen Teilnehmer*innen können bereits auf Museumsausstellungen, staatliche Auszeichnungen und kuratorische Projekte zurückblicken, sodass „Discover“ (Entdecken) hier eher im Sinne einer Einführung zu verstehen ist. Sie wurden als Künstler*innen ausgewählt, die zum ersten Mal auf dieser Messe vertreten sind – für die meisten Besucher*innen hier sind sie neue Namen. Genau darum geht es: Eine Messe ist einer der wenigen Orte, an denen eine Künstlerin bzw. ein Künstler an einem einzigen Wochenende ein völlig neues Publikum erreichen kann.
Obwohl sie aus unterschiedlichen Nominierungsrunden ausgewählt wurden, treten die fünf Werke fünf bemerkenswert gut miteinander in Dialog. Wände, Räume und Häuser, die die Besucher*innen anzublicken scheinen, tauchen in drei Arbeiten wieder auf, und bei allen dreien geht es bei der Architektur im Grunde um einen inneren Zustand. Ein Architekt, der zum Hyperrealisten wurde, malt Alltagsgegenstände mit einer Stille, die an das Unheimliche grenzt. Ein Londoner Künstler formt Gesichter aus einem einzigen ununterbrochenen Faden und hängt sie manchmal von der Wand, kaum dass sie fertig sind. Allen fünf gemeinsam ist die Beschäftigung mit dem, was stillsteht – und dem, was sich dem widersetzt.
Gan-Erdene Tsend – Stand A4, Galerie am Dom
Die Entscheidung für Gan-Erdene Tsend spricht für sich: Sein Werk verdient weitaus mehr Aufmerksamkeit, als es derzeit erhält. Er wurde 1979 in Mörön, Mongolei, geboren, studierte in Ulaanbaatar und anschließend an der Kunstakademie Münster, wo er Meisterschüler bei Hermann-Josef Kuhna wurde. In seinen Gemälden kombiniert er präzise beobachtete Räume mit schattenhaften Erscheinungen und nutzt Reflexionen als Schnittstelle, an der Erinnerung und Sehnsucht ins Sichtbare übergehen. Karussells, Pferde und Titel wie „Heimweg“ und „Völkerwanderung“ ziehen sich durch seine Serien; ein „Heimweg“ misst 260 mal 720 Zentimeter. Im Jahr 2022 wurde er zum Kulturbotschafter der Mongolei in Deutschland ernannt. Betrachtet man die Gemälde genauer, wirkt der Titel weniger wie eine Ehrung als vielmehr wie eine Stellenbeschreibung.
Gan-Erdene Tsend – Galerie am Dom – booth at DAF, photo by Holger Peters
David Luca Muth – Stand D3, Gallery artpark
Als Erstes springen einem die Titel ins Auge: „sorry, I did wrong again“, „waiting for the sword“, „my house is watching you“. David Luca Muth schreibt sie in Kleinbuchstaben, in nüchternem Englisch, und malt seine Werke mit flachen, satten Acrylfarben. Seine Bilder sind voller Backsteinmauern, voller Häuser, deren Fenster wie Augen wirken, und voller vermummter Gestalten, deren Gesicht lediglich aus zwei scheinbar aus einem Comic stammenden Tränen besteht. Die offizielle Beschreibung spricht von Isolation und Unbehagen, und das stimmt auch, aber sie übersieht den humoristischen Aspekt. Muths Einsamkeit geht mit einer Pointe einher, und diese Pointe ist Teil dessen, was wehtut. Diese Gemälde, die irgendwo zwischen Bilderbuch und einer schlaflosen Nacht angesiedelt sind, lassen die Leere wie etwas aussehen, das den Blick des Betrachtenden erwidert.
David Luca Muth – Gallery artpark – booth at DAF, photo by Holger Peters with Kai Brückner and Klaudia Kelleh
Hanna Kim – Stand E3, Galerie Klose
Als Kind entdeckte Hanna Kim ein braunes Buch, das in einer Ecke des Arbeitszimmers ihres Vaters versteckt lag. Auf dem Einband war eine vergrößerte Reproduktion von Napoleons Krönung abgebildet, und die Seiten waren voller Gemälde aus dem 19. Jahrhundert. Sie sagt, sie habe das Buch nicht aus der Hand legen können. Kim, die 1981 in Buyeo (Südkorea) geboren wurde und ihre Ausbildung ebendort absolvierte, gestaltet ihre Leinwände heute mit einem breiten Hake-Pinsel, mit dem sie die Farbe horizontal und vertikal aufträgt, bevor sie Alltagszenen darauf gestaltet. Das Ergebnis bezeichnet sie als dichotom: Abstraktion und Figuration, Realität und Surrealismus, vereint in einem einzigen Bild. Ihre Hintergründe verschwimmen wie bei einem Aquarell – als wäre die Zeit durch sie hindurchgeflossen. Im Vordergrund sitzt manchmal ein Junge oder eine Katze, klar umrissen und gänzlich unbeeindruckt.
Hanna Kim – Galerie Klose – booth at DAF, photo by Holger Peters
Perspicere – Stand E4, Prescription Art
Der Titel „Perspicere“ ist lateinisch für „Perspektive“ – was durchaus schon als deutliche Vorwarnung zu verstehen ist. Aus der Nähe betrachtet ist ein „Perspicere“-Porträt ein Gewirr aus sich kreuzenden Linien. Tritt man einen Schritt zurück, bildet sich daraus ein Gesicht – geisterhaft und präzise. Die Methode ist entwaffnend einfach: ein einziger Nähfaden wird um Nägel gewickelt und niemals durchtrennt – wie eine Zeichnung, die entsteht, ohne dass der Stift abgesetzt wird. Der in London lebende Autodidakt kam eher zufällig auf die Idee mit dem Faden, als er den Entwurf für einen Wandauftrag in einer Galerie mit Hilfe einer Schnur vorskizzierte. Er ist farbenblind, was zum Teil seine langjährige Vorliebe für das Monochrome erklärt. Er ist allgemein bekannt dafür, seine Porträts zu zerstören, sobald sie fertig sind, und den Vorgang des Zerstörens zu filmen. Im Jahr 2022 soll er Berichten zufolge auf die Bestätigung durch das Guinness-Buch der Rekorde für das größte jemals aus Fäden gefertigte Porträt gewartet haben.
Perspicere – Prescription Art – booth at DAF, photo by Holger Peters
Christoph Eberle – Stand F4, VERMEER Magazine
Als Schüler sah Christoph Eberle Vermeers Gemälde „Die Kunst der Malerei“ und wusste sofort, wie er selbst erzählt, dass er genau das auch machen wollte. Da fällt es schwer, beim Namen der Zeitschrift, die ihn nominiert hat, nicht zu schmunzeln. Der 1969 geborene und in Zürich lebende Eberle absolvierte eine Ausbildung zum Architekten an der dortigen ETH, arbeitete mehr als 20 Jahre lang als freiberuflicher Grafikdesigner und brachte sich das Malen selbst bei. Seine hyperrealistischen Ölgemälde basieren auf Fotografien, sind jedoch eher konstruiert als kopiert. Am Messestand ist das Gemälde einer vor Blumen platzierten Espressomaschine zu sehen, wobei dem Chrom und den Blütenblättern dieselbe geduldige, fast andächtige Aufmerksamkeit zuteilwird. Diese Arbeitsweise führt dazu, dass er nur eine Handvoll Gemälde pro Jahr fertigstellen kann, und jedes einzelne gibt dies deutlich zu erkennen.
Christoph Eberle – VERMEER Magazine – booth at DAF, photo by Holger Peters
Fünf neue Künstler*innen – und damit fünf gute Gründe, in aller Ruhe durch die Gallery Section zu schlendern. Suchen Sie die Stände auf, erkundigen Sie sich nach den Werken und verlassen Sie die Messe mit ein paar Namen mehr im Gepäck, als Sie mitgebracht haben. Die Discovery Art Fair Frankfurt findet bis zum 1. November 2026 in Halle 1.2 der Messe Frankfurt statt und ist am Sonntag von 11 bis 18 Uhr geöffnet.
Fotos: Holger Peters